I MIGLIORI ALBUM DELLA MIA VITA

Recentemente avevo fatto un post, breve ma incisivo, tanto da essere ripreso da una delle mie newsletter italiane preferite (Polpette®) sui migliori album del decennio in corso, i tanto vituperati anni ’10. In un impeto di retromania, invece, riprendo qui una serie di interventi estemporanei fatti su Facebook a seguito di coinvolgimento in una di quelle catene di S. Antonio tipiche dei social, che di solito rifuggo come la peste bubbonica ma che nello specifico (liste di album? Pane quotidiano!) mi aveva abbastanza infoiato. Siccome però siamo qui proprio per ristabilire la prevalenza del longform sul post breve ed estemporaneo, ecco che adesso vi beccate 20 album fondamentali del XX secolo (a mio insindacabile giudizio) che non è umanamente possibile non ascoltare. Non siate pigri, per ognuno vi metto il link a Spotify. Magari, se non conoscete qualcosa, può essere una gradita sorpresa. O altrimenti, una passeggiata sul viale dei ricordi, come si suol dire.

TELEVISION – MARQUEE MOON (1979)
A pelle, il primo album che mi viene in mente è Marquee Moon, perché mi ha folgorato come pochi altri album, e dopo questo ascolto (per me avvenuto verso la metà degli anni ’80 su un vinile comprato usato) non sono più stato lo stesso. Post punk americano, chitarre intrecciate melodiche ma nervose e oblique, voce paranoide alla Talking Heads e pezzi esaltanti come Friction, Venus, See No Evil ma soprattutto la monumentale title track che sta al post punk come Bela Lugosi’s Dead dei Bauhaus sta al goth (e che comunque fa tesoro della tradizione rock americana trasfigurandola). Un album che non mi stanco mai di ascoltare ancora oggi. 

DAVID BOWIE – LOW (1977)
A Berlino con Eno (fa anche rima), Bowie concepisce il capolavoro art-rock-ambient-electronica che influenzerà gran parte della new wave a venire, per tacere del post-rock. Ci sono dentro quelle cose stile coro delle voci bulgare nell’atto di tagliarsi le vene, come Warszawa o Weeping Wall, e ci sono gemme brillanti come Speed of Life, Sound and Vision ma soprattutto Always Crashing in the Same Car, che alla fine dei conti è “il” mio pezzo di Bowie. Il mio vinile di Low è consumato. E il vostro?

MASSIVE ATTACK – BLUE LINES (1991)
Correva l’anno millenovecentonovantaerotti, e io entravo in folgorazione per via del fatto che l’hip hop incontrava le frange più oscure del post punk, del reggae e del dub. Echi di Slits e PIL, labirinti sonori ipnotici che sfoceranno in altri capolavori dei Massive e che influenzeranno tutto il trip hop a venire, la voce di Horace Andy, il basso che pompa, Shara Nelson che canta “You can free the world, you can free my mind, just as long as my baby’s safe from harm tonight” e la consapevolezza acuta per la prima volta che si può assemblare un capolavoro prendendo pezzi di basso di qua, break di batteria di là e riscrivere la storia della musica.

PIXIES – SURFER ROSA (1988)
La storia è un po’ strana perché io, darkettone che son io, ero tutto perso nelle atmosfere 4AD di Ivo Watts-Russell, che nel frattempo, sul finire degli ’80, scopre e produce questa band americana con la bassista carismatica, il cantante/songwriter melodico-folle, il chitarrista violento ma con stile. Cosa sentono le mie orecchie? Un’urgenza incredibile, linee melodiche accattivanti, canzoni che parlano di mutilazioni, incesto, follia religiosa, handicap mentali, rabbia punk e pop zuccheroso, con una vena di inquietudine. Per l’album vero e proprio Ivo si affida a Steve Albini (cioè quello che poi produrrà In Utero dei Nirvana)… e che altro dobbiamo dire. Un album del cuore, senza se e senza ma. Contiene anche Where Is My Mind, chevvelodicoaffà.

VELVET UNDERGROUND – THE VELVET UNDERGROUND (1969)
The Velvet Underground, l’album eponimo, quello con copertina nera e foto sfocatona della band. Insomma, il terzo album. Quello del ’69, per capirci. Quello con dentro la tracklist perfetta. Quello che è già Lou Reed ma senza troppa decadenza glam. Quello che è ancora Velvet-sperimentale ma senza insistere troppo sul feedback (a parte i 9 minuti di The Murder Mystery). Quello che è in equilibrio precario tra pulsioni diverse e che per questo motivo resta uno degli album più semplici, potenti e affascinanti della storia del rock. Inizia con Candy Says ed è già beatitudine. Poi c’è Pale Blue Eyes, Jesus e soprattutto I’m Set Free, uno dei pezzi più belli dei VU. E quella piccola delizia finale di After Hours. Tenetevi Nico, preferisco Maureen Tucker…

JESUS AND MARY CHAIN – PSYCHOCANDY (1985)
Questo album ha per me una valenza specifica, è nel mio Guinness personale per diversi motivi. Non ho mai posseduto il vinile originale ma solo una cassetta Maxell C90 logorata dall’uso e a seguire tante versioni digitali dell’album. Ma Psychocandy non è MAI mancato in qualunque walkman, discman, lettore mp3, Zune, Zen, iPod, iPhone, iTunes io abbia mai posseduto. Perché Psychocandy è semplicemente l’album a cui ricorro quando voglio stare bene, e non si tratta di una delle mie band preferite in assoluto, e non si tratta (solo) del fatto che è uscito in un anno per me di grandissimo cambiamento, è piuttosto una sonorità, un feedback morbido, un ronzio che avvolge, un mixaggio sporco e indistinto, un ritmo trascinato che attacca con Just Like Honey e non ti molla più e non distingui forse neanche bene le tracce. Proto-shoegaze di derivazione Velvet immerso in un bagno acido di wall of sound alla Phil Spector: cosa vuoi di più dalla vita?

JOY DIVISION – UNKNOWN PLEASURES (1979)
Io ai Joy Division e a Ian Curtis mi sono avvicinato relativamente tardi. La loro parabola si era rapidamente conclusa mentre io appena scoprivo i Cure, i Bauhaus, Siouxie and the Banshees, Echo & The Bunnymen, Cocteau Twins, Dead Can Dance. Poi niente, è successo che anche i “dark” potevano ballare (si era scoperto con i New Order, no?) e mi sono innamorato di quel basso, di quella batteria secca e metronimica, di quelle tastiere desolate, di quella voce che non era (più) quella di Ian Curtis ma era comunque disperata e cavernosa pur facendoti muovere il culo senza sosta. A quel punto ho dovuto andare alla fonte, ed è stata la folgorazione. Intanto quel vinile ha la copertina credo più iconica mai vista al mondo. E poi che cazzo, inizia con quel ritmo pazzo e velocissimo e quella linea di basso distorto di Disorder e non ti molla più fino alla fine, come una mano stretta alla gola. E non possiamo nemmeno dire che i JD siano “goth” in senso stretto, sono puro post-punk immerso in un distillato di angoscia esistenziale. Per cui, insomma, l’album perfetto. 

VAN MORRISON – ASTRAL WEEKS (1968)
Si tratta di un album che non mi stanco mai di ascoltare, da quando l’ho scoperto per caso intorno alla metà degli anni ’90. Sono rimasto colpito dalla copertina e dal titolo. E quando l’ho ascoltato, poof! non sono più stato lo stesso. Astral Weeks, come lo posso definire… è folk-rock impressionistico da camera, è Bon Iver quarant’anni prima, è un flusso di coscienza con testi pari a Dylan ma se possibile ancora più incomprensibili, cantati con una tale grazia e una tale estasi che ti fanno rimescolare dentro. Leggenda vuole che Morrison timidissimo stesse chiuso in una cabina con la chitarra acustica e i sessionman che suonavano con lui (flauto, sax, basso acustico, batteria, tutti jazzisti peraltro) non lo vedessero mai. Il disco quindi è una jam session improbabile che risulta in un puro gioiello di traccia in traccia, dalla title track agli episodi più intensi come Cyprus Avenue e Madame George. Per Lester Bangs e per Wim Wenders è l’album migliore di tutti i tempi. E chi sono io per contraddirli? 

SMASHING PUMPKINS – SIAMESE DREAM (1993)
C’erano pochi anni ’90 nei primi 8 album e ciò non era bene. Il primo album che mi viene in mente che definisce (forse anche e più a posteriori) i miei anni ’90 è Siamese Dream degli Smashing Pumpkins. Più dei Nirvana, dei Soundgarden, dei Mudhoney e dei Pearl Jam che pure amavo molto. La distorsione qui si accompagna ad un gusto per la melodia catchy che trova in Today uno dei risultati più rappresentativi del decennio. E poi l’album parte con Cherub Rock, che per me è uno degli attacchi migliori del secolo. Produzione di Butch Vig (già con Nirvana e Sonic Youth) e partecipazione di Mike Mills dei REM alle session, Siamese Dream sembra un album positivo, ma è tutto all’insegna della droga, della malattia mentale, della depressione e del suicidio. Perfetto per me.

THE SMITHS – HATFUL OF HOLLOW (1984)
Un album che per me ha una storia particolare. A parte contenere praticamente tutti i miei brani preferiti degli Smiths, da What Difference Does It Make a How Soon Is Now?, da Heaven Knows I’m Miserable Now a Please Please Please Let Me Get What I Want. Nei gloriosi anni ’80 (seconda metà), mi dividevo tra questo album e il primo eponimo The Smiths. Ma mentre The Smiths è un filo monotono come album (ecco, l’ho detto), Hatful of Hollow con la sua caratteristica di raccogliere anche molte versioni alternative di brani già presenti nel primo album eponimo è migliore, più fresco, con un mixaggio più accattivante – erano comunque sessioni per BBC Radio con John Peel, mica pizza e fichi. Curiosità: l’oscuro cantante francese Fabrice Colette è il tizio ritratto in copertina (che le copertine degli Smiths, si sa, sono sempre un po’ una sciarada).

KRAFTWERK – MAN MACHINE (1978)
I Kraftwerk costituiscono un po’ un mondo a parte nella galassia dei miei amori musicali. Credo non ci sia un gruppo importante quanto loro nell’influenzare ormai quasi 40 anni di musica pop. Senza i Kraftwerk con ci sarebbe stato Afrika Bambaataa per come lo conosciamo, non ci sarebbero i Daft Punk, non ci sarebbero gli LCD Soundsystem, e molte altre band di cui non faccio il nome. Ah, non ci sarebbero stati nemmeno i Rockets, buffa band francese che dai Kraftwerk ha preso essenzialmente uno spunto per il look. Comunque. Man Machine è già il settimo album, ma contiene hit stratosferiche come The Robots e The Model e tanto basta. La copertina ha una delle grafiche più belle della storia del rock.

THE STOOGES – THE STOOGES (1969)
No Fun, 1969, I Wanna Be Your Dog. Basta? Senza questo album non ci sarebbe stato il punk, punto e basta. Appena partono i primi accordi senti già la devastazione, la puzza di vicolo marcio, la malattia, il disgusto. Garage rock brutale con un pizzico di psichedelia alla Doors e un altro pizzico di art-rock alla Velvet (John Cale suona in We Will Fall). Uno degli incroci più famosi della storia del rock, da cui è partita molta musica a venire. Fa tenerezza sapere che Iggy è ancora vivo e lotta insieme a noi, sempre incredibilmente uguale a sé stesso, sempre fottutamente punk.

SONIC YOUTH – GOO (1990)
Se Daydream Nation era il White Album del rock alternativo, Goo è il suo Abbey Road. I Sonic Youth sono qui all’esordio per una major dopo aver già prodotto numerosi album ed EP per etichette indipendenti: io li avrei recuperati tutti dopo essere stato folgorato da Goo. Goo ha una delle copertine più fighe della storia del rock. Goo contiene Kool Thing, Dirty Boots, Tunic (Song for Karen) e Mary-Christ. Goo è l’apoteosi dell’alt-rock. Amo tutto quello che Thurston Moore e Kim Gordon hanno combinato negli anni, ma soprattutto amo Goo. I know a secret or two about Goo, she won’t mind if I tell you… My friend Goo just says “hey you”!

WHO – WHO’S NEXT (1971)
Quando si parla di “rock”, io penso sempre a questo album iconico (a partire dalla copertina col monolite pisciato). I Who sono da sempre tra i miei gruppi preferiti, li ascoltavo fin da bambino, ma alle ossessioni narrative e un po’ barocche di Tommy o di Quadrophenia ho sempre preferito Who’s Next, con le epiche aperture e chiusure di Baba O’Riley e Won’t Get Fooled Again e soprattutto con la ballata Behind Blue Eyes che rimane ancora oggi per me uno dei migliori pezzi rock di sempre. Anche qui, come sempre avveniva con Pete Townsend, dietro c’era un concept naufragato (una rock opera mai realizzata dal titolo Lifehouse), ma l’abbandono della gabbia narrativa ha regalato maggiore freschezza a tutti i pezzi dell’album.  

AIR – MOON SAFARI (1998)
Anche questo album entra di diritto nel mio Guinness personale perché dal 1998 non è mai uscito dal mio Winamp/lettore mp3/iPod/iPhone. Moon Safari ci deve sempre essere, per le emergenze, un po’ come Psychocandy. È stato il primo album che ho scaricato in MP3 da Internet, ai tempi in cui la frase chiave dei musicofili sul web era “It really whips the llama’s ass”. I francesini fanno un frullato di elettronica, trip-hop, easy listening, downtempo, jazz, soul, funk, usano moog, mellotron, vocoder. Il risultato è una pietra miliare che aprirà la strada a Groove Armada, Thievery Corporation, Royksopp e compagnia sognante. La Femme d’Argent mi pare ancora oggi una delle opening track più fighe dell’universo conosciuto.

A TRIBE CALLED QUEST – PEOPLE’S INSTINCTIVE TRAVELS AND THE PATHS OF RHYTHM (1990)
Nel mondo dell’hip-hop, per me hanno sempre contato più le crew che non gli artisti solisti. E nessun album (a parte forse l’esordio dei Wu-Tang, vedi sotto) è stato più seminale dell’esordio di A Tribe Called Quest, parte di un collettivo “Native Tongues” (con De La Soul e Jungle Brothers) che promulgava un approccio più morbido, afrocentrico e jazzato al boom-boom-tchak. È l’album di Bonita Applebaum, I Left My Wallet in El Segundo e di Can I Kick It? con il suo sample di Walk on the Wild Side che ancora oggi fa muovere i culi nel mondo. Pharrell, D’Angelo e Kendrick Lamar non esisterebbero senza Q-Tip e compagni, lo sapete, no?

RAGE AGAINST THE MACHINE – RAGE AGAINST THE MACHINE (1992)
C’è questa cosa, che io non sono un grandissimo fan del guitar rock duro, puro e fine a sé stesso. Ma il trattamento che Tom Morello riserva alla sua chitarra in questo album che ha posto le basi per tutti quelli che in seguito si sono definiti “nu-metal” o “crossover” è esaltante. I RATM prendono tutta la rabbia degli MC5 e del rock di protesta e lo distillano in urla animalesche come FREEEEEDOOOOOM o FUCK YOU I WON’T DO WHAT YOU TELL ME. Headbanging a palla, inevitabile. Zack De La Rocha mai più a questi livelli. Quando parte questo album si sente l’elettricità e la tensione nell’aria, c’è poco da fare.

WU-TANG CLAN – ENTER THE WU-TANG (36 CHAMBERS) (1993)
Fin dagli anni ’80 in me convivevano (facendo a volte a pugni) l’anima goth e quella del b-boy. Ma finché si trattava di Bambaataa o di Grandmaster Flash stavo a posto così, era musica per ballare. Con l’avvento dei Wu-Tang e del loro primo, cupissimo album l’hip hop diventa improvvisamente musica da ascoltare, paesaggio sonoro di cui non si può più fare a meno. Spezzoni di film di kung fu in mezzo alla tracklist (non a caso RZA poi collaborerà con Tarantino, maestro delle compilation di questo tipo), questo è l’album di Protect Ya Neck, Shame on a Nigga e C.R.E.A.M., brani che hanno cambiato la storia del genere e hanno influenzato Nas, Notorius BIG e Jay-Z. Tanta, tantissima roba.

DREAM SYNDACATE – THE DAYS OF WINE AND ROSES (1982)
La summa di un movimento, il cosiddetto Paisley Underground, che nei primi ’80 mi prendeva assai, questo album dei Dream Syndacate è perfetto nel suo unire la psichedelia degli anni ’60 all’urgenza del punk instillandoci però anche una bella dose di Velvet Underground (gli assoli di Karl Precoda sono molto White Light / White Heat, pur avendo una propria personalità e riconoscibilità). In questo senso i Dream Syndacate non sembrano quasi un gruppo californiano come i Rain Parade, le Bangles o i Green on Red: il loro album d’esordio rivisita più il lato oscuro del sixties rock. Poi vabbè, ci sono perle come When You Smile, Halloween e la title track che valgono mille ascolti.

THE CURE – SEVENTEEN SECONDS (1980)
Per il grandissimo amore che porto ai Cure, chiudiamo in bellezza con Seventeen Seconds, che esprime al meglio il suono dark e mimimalista che di lì a poco sarebbe andato verso un pozzo di angoscia (Faith) e autodistruzione (Pornography) per poi rinascere sotto forma di pop sghembo (da The Top in poi) e tornare in forma barocca e sovraincisa al termine del decennio (Disintegration). In questo album c’è già tutto, da At Night a Play For Today, all’atmosfera da brivido di The Final Sound. Ma soprattutto c’è A Forest, il pezzo che tutti i bassisti in erba provano a suonare, e la copertina con la foto in motion blur che ha praticamente influenzato tutta la mia percezione della fotografia nei trent’anni a venire (foto scattata da Robert Smith stesso, pare). Una chicca particolare: Frankie Rose ha realizzato un “cover album” di tutto Seventeen Seconds. Credo sia l’unico album ad aver mai subito un trattamento così. Ed è bellissimo.

I MIEI PRIMI SEI ANNI

Francamente, alla fine non so come siamo arrivati qua
Me lo chiedo spesso, ma ogni volta mi rispondo che non me ne sono nemmeno accorto. 

Tu hai sei anni, il mio ruolo di papà ha sei anni, e quel che resta guardandosi indietro è una nebbiolina che rende difficile distinguere le cose. Sei anni fa, quando eri appena nato, mi sono preso un periodo sabbatico da lavoro perché volevo conoscerti, annusarti, assaggiarti, fare parte del tuo mondo se non quanto la mamma, almeno un po’. Un neonato in casa fa più che altro paura, sai? La mamma era terrorizzata, io intimorito e curioso. A poco a poco ci siamo acclimatati l’uno all’altro. Quel che ricordo sono le interminabili canzoni e/o i percorsi in passeggino per farti addormentare, la tua predilezione nell’usarmi come materasso vivente, la pappa che entrava e la cacca che usciva. Il moccio, anche. Si riusciva ancora, tutto sommato, a gestire la vita familiare. Bastava essere pronti, organizzati come una caserma, e tutto filava liscio.

Poi hai iniziato a gattonare, a camminare, a parlare. A manifestare tutte le adorabili caratteristiche che ancora oggi ti contraddistinguono. La fiera opposizione a qualsiasi cosa, la testardaggine, l’ostinazione nel non voler sentire nulla di quello che ti potevamo dire io o la mamma. Di più, la profonda convinzione che tutto quello che usciva dalla nostra bocca – dalla bocca degli adulti, in generale – erano bugie. Sei sempre stato un piccolo cospirazionista. La tua fame di indipendenza ti ha fatto sembrare per anni un quindicenne intrappolato nel corpo di un bambino piccolo. Gli altri bambini hanno mille paure, cercano rifugio nei genitori, tu quasi mai. Sei una continua fonte di stupore. Probabilmente ti abbiamo amato troppo, ma non possiamo farci nulla. Sei adorabile.

Sono passati gli anni. Tra i tuoi due e i tuoi sei anni è stato tutto un vortice senza sosta di scuole, giardinetti, corse, tuffi, wurstel, cartoni animati, abbracci di famiglia, il nostro lessico famigliare, il mare, i nonni, il ballo, le notti a infilarsi nel lettone – e te lo lascio fare perché so che tra breve non lo vorrai più fare, e anche perché sei un perfetto peluche umano – le domeniche in pigiama, la maionese e il ketchup, tutti i tuoi meravigliosi interessi e la difficoltà che hai nel rapportarti con gli altri bambini.

Ecco, tra pochi giorni compirai sei anni e mai come in questi ultimi mesi mi hai riportato alla mente – e al cuore – come ero io quando ero piccolo, come te. Si dice che non sia possibile ricordarsi della propria vita prima dei quattro anni, o giù di lì. Per me è tuttora molto difficile ricordare cose successe prima dei miei 10 anni. Ricordo solo le cose che hanno carattere di eccezionalità, perché legate a traumi o esperienze piacevoli, qualche schiaffone particolare, i primi baci o le prime carezze. Posso sforzarmi, ma non riesco. Invece vedo te, e capisco molte cose.

Tu hai una tremenda voglia di esprimerti, con i tuoi disegni, i tuoi colori, il glitter, le tue coreografie, i discorsi strampalati e le canzoni buffe. Lo fai in punta di piedi e nei tuoi spazi protetti, perché dentro di te sai che non sempre le persone sono buone o bendisposte. Ti piacciono cose che non piacciono a nessun altro, e per me va bene così, è sempre stato così anche per me. Ma questo ti farà sentire sempre molto solo. Finché non troverai un amico o un’amica che apprezza le stesse cose, e allora sarà veramente un tesoro, come dicono i proverbi.

Ti guardo con ammirazione e tenerezza e di nuovo ho paura, ma è una paura diversa da quella che hai con un neonato in casa. La mia paura adesso è che tu venga a contatto in modo traumatico con il brutto del mondo, e non intendo per forza di cose la guerra, la carestia, la violenza (arriveranno anche queste cose, ne sono convinto, ma spero che tu abbia i mezzi per andare via, il più lontano possibile). Il brutto del mondo è anche, soprattutto, vivere in una società che fa di tutto per appiattire le diversità, per schiacciare chi non è omologato, per soffocare la creatività, per stroncare l’entusiasmo. Questa bruttura la vivi e la vivrai anche tu ogni giorno, a modo tuo me ne stai parlando già oggi e io posso solo promettere che sarò sempre lì per aiutarti a capire che come sei tu va bene. Che ognuno è diverso, ognuno fa storia a sé. E che palle se fossimo tutti uguali. 

Va bene. Per i miei primi sei anni (da papà) esprimo qualche desiderio. Mi piacerebbe che potessi ascoltarmi di più, che abbandonassi almeno un po’ questa ossessione per le scoregge e le chiappe, che ti sforzassi di mangiare appena un po’ di verdura. Per il resto sei un bambino perfetto.

E, nel caso ti chiedessi chi è il bambino nella foto, eccoti una pillola di cultura pop di quelle che ti piacciono tanto. Questo è Danny Bonaduce, che nella fortunata sitcom La famiglia Partridge in onda quando papà tuo era piccolo, interpretava il bassista (poco carismatico) Danny Partridge. La sua particolarità è aver inciso una canzone in cui con la sua allegra voce bianca cantava “Sarò il tuo prestigiatore, ti toccherò piano con la mia bacchetta magica e tu non resisterai più, sarò il tuo mago, e dopo averti stregata ti farò l’ammore”.

Non lo so, mi ha fatto pensare a te.

NEL VORTICE DEGLI ANIME

Le #recensioniflash di luglio sono praticamente tutte di film anime (in un paio di casi anche serie anime che ho scovato in giro) perché niente, la scimmia del Giappone mi è rimasta fortissima e adesso sono in uno di quei periodi ossessivo compulsivi della mia vita in cui devo vedere solo un determinato genere di cose. Siamo comunque al livello che sto anche ascoltando un podcast di lingua giapponese, così, tanto per capire meglio i film in lingua originale. Ma andiamo a incominciare.

YOUR NAME (Makoto Shinkai, 2018)
Sono qui che mi chiedo perché non ho visto Your Name quando è uscito al cinema. Ho scartabellato e niente, è stato in sala solo tre giorni. Ma va bene, è su Netflix. Ed è l’anime più intenso che vi capiterà di vedere. Di Makoto Shinkai avevo visto Il giardino delle parole e già allora quella tecnica basata su un rotoscoping minuzioso mi aveva colpito assai. In pratica l’animazione diventa talmente fotorealistica da procurare una sorta di overdose di iper-realtà. Questo succede anche in Your Name, che rende come non ho mai visto prima il paesaggio urbano di Tokyo e quello rurale della cittadina di campagna Itomori, dove vivono i due protagonisti del film. Taki, studente a Tokyo, e Mitsuha, studentessa a Itomori, condividono una strana esperienza: di tanto in tanto si svegliano l’uno nel corpo dell’altra. La premessa del body swapping porta qualche simpatica conseguenza comica, ma Your Name non è una commedia. È più un film da brividi, da pelle d’oca e da lacrime ricacciate in gola (per chi è un super-romantico come me, eh). C’è di mezzo una catastrofe naturale, ma anche qualcosa di soprannaturale che si rivela nel kataware-doki (il crepuscolo) non rivelo troppo sulla trama perché poi l’intrigo si fa contorto e succedono un sacco di cose, ma il fulcro di tutto è la relazione tra i due protagonisti che non riescono mai a incontrarsi veramente nonostante abbiano condiviso una straordinaria intimità. Anzi, non riescono a ricordare nemmeno i loro nomi. In pratica il tema del film è lo struggimento per qualcuno o qualcosa che non si ha nemmeno del tutto chiaro. C’è una colonna sonora spettacolare (certo, per chi apprezza le canzoni J-Rock) e niente, dovete vederlo. Fidatevi. #recensioniflash

LA FORMA DELLA VOCE (Naoko Yamada, 2016)
Ok, sì, sono in uno dei miei periodici momenti ossessivi per gli anime. Diciamo che Netflix li favorisce. Ci trovate The Shape of Voice, un mélo sommesso ma potente tratto dal manga A Silent Voice. È la storia di un piccolo bullo la cui vita resta segnata dai suoi comportamenti e di una bambina sorda (vittima del bullo). A 11 anni, Nishimiya cerca di farsi degli amici ma la classe in cui capita è popolata da stronzi come sanno esserlo solo i bambini. In particolare Ishida sembra essere il più stronzo di tutti, ma il suo bullismo è figlio di un’incapacità di ascoltare e comunicare. Da diciottenni, entrambi tenteranno il suicidio per motivi simili. Ishida, ormai un emarginato sociale abbandonato dai suoi vecchi amici che non vogliono più essere associati a lui, cercherà in ogni modo di riscattarsi e di capire il senso dell’amicizia e dell’ascolto, mentre Nishimiya deve fare i conti con l’affetto dei familiari e degli amici che sente di non meritare in quanto mera “fonte di preoccupazione”. È comunque un film corale, con un fottio di personaggi che dura più di due ore, ma vale la pena. Bella la soluzione visiva che rappresenta l’incomunicabilità vissuta da Ishida (tutti i suoi compagni hanno come degli adesivi che gli coprono il viso fino a che lui non li fa “entrare nel suo mondo”) e interessante la colonna sonora pianistica registrata a quanto pare da dentro lo strumento, forse per dare più l’idea della “forma del suono”. Oh poi ha vinto un sacco di premi, insomma, fate voi. #recensioniflash

MADE IN ABYSS (Kinema Citrus, 2017)
Ciao, sono sempre qui che guardo gli anime e oggi vi voglio parlare di Made in Abyss. Trattasi dell’adattamento in serie animata di un manga, facilmente fruibile su Netflix in tredici comodi episodi. Ci sono mille motivi buoni per vederlo e alcuni motivi per non vederlo. Dipende sempre da quanto siete abituati a gestire le differenze culturali Giappone / resto del mondo in termini di situazioni scabrose. Vado subito a spiegarmi. 
Made in Abyss è una serie fichissima. Fi-chis-si-ma. 
C’è un world building originale, un comparto artistico da urlo, una musica pianistica / orchestrale abbastanza inedita e uno sviluppo dei personaggi molto interessante. La storia si svolge in una città costruita attorno a un abisso, una sorta di voragine tipo inferno dantesco a più gironi che fin da bambini gli abitanti della città imparano ad esplorare per cercare tesori. Esiste una sorta di “maledizione dell’abisso” per cui puoi scendere evitando mille pericoli ma più scendi più saranno devastanti per la tua salute fisica e mentale le risalite in superficie. 
Riko, la protagonista dodicenne, è un’aspirante esploratrice. In una delle spedizioni organizzate dall’orfanotrofio / scuola di esploratori dove vive, incontra Reg, un bambino robot che ha dimenticato chi è e da dove viene. Insieme decideranno di esplorare il fondo dell’abisso, tra molte avventure e colpi di scena. Come vedete dall’immagine è tutto molto infantile, tanto che la Creatura mi chiede in continuazione “possiamo vedere questo cartone insieme?” (spoiler: NO, non possiamo).
Vado un attimo sul tecnico e metto il cappello da otaku: Made in Abyss è ingannevole perché con il suo stile moé e il character design al limite del chibi sembra una storia con bambini e per bambini. Nulla di più sbagliato. Chi legge manga da una vita sa che le derive sessualizzate dei mangaka sono abbastanza all’ordine del giorno, e pur non essendoci scene esplicite, in più di un’occasione ci sono accenni di lolicon, shotacon, furry e quant’altro (googlate, non fatemi spiegare tutto). C’è una certa fissazione sulla pipì, sui genitali, su punizioni corporali fantasiose che può dar fastidio. 
Inoltre, non si scherza con l’abisso. Le avventure di Riko e Reg possono diventare molto drammatiche, sanguinose, violente e la presenza di creature che sembrano uscite da un film di Cronenberg non lo rende assolutamente catalogabile come prodotto per bambini. Detto ciò, se arrivate preparati, io l’ho trovata una storia potente che mi ha fatto pensare anche alla trilogia di Queste Oscure Materie (anche lì, bambini venivano torturati per il bene del progresso scientifico, e non dico altro). Per me è un grande sì, e attendo con ansia il seguito sotto forma di lungometraggio che dovrebbe uscire il prossimo gennaio. Però mi rendo conto che non è per tutti i palati. Vedete voi. #recensioniflash

WOLF CHILDREN (Mamoru Osoda, 2012)
Nella mia enorme lista di recuperoni c’è da mesi Wolf Children, altrimenti noto come Ame e Yuki i bambini lupo. Inutile dirvi che è un capolavoro, d’altra parte se un film non mi piace non è che spreco tempo a parlarne. Qui stiamo in equilibrio perfetto tra un anime adulto e una favola alla Miyazaki. Hana, la mamma protagonista, ha concepito Yuki e Ame con un affascinante uomo lupo. Quando rimane sola, la condizione di madre single si fa pesante, soprattutto per il problema aggiuntivo che i bambini tendono a trasformarsi in lupi nei momenti più disparati. Ne consegue un continuo contrappunto tra natura e cultura, nel percorso prova ed errore di un genitore che tenta di mettere i figli in grado di trovare la propria strada nella vita. “Volete vivere come umani o come lupi?” è la domanda che Hana fa ai figli dopo aver portato la famiglia in una enorme casa di montagna da ristrutturare (molto Tonari no Totoro) e da lì si dirameranno le scelte dei due bambini, mai facili, che porteranno ad un’evoluzione inaspettata dei personaggi. Scrive e dirige Mamoru Hosoda (che ha rischiato di vincere l’Oscar come miglior film d’animazione quest’anno con Mirai no Mirai – poi il premio è andato a Spider-Man, giustamente, però gran risultato comunque) e soprattutto disegna i personaggi Yoshiyuki Sadamoto già su Evangelion, Nadia – Il mistero della pietra azzurra, Le ali di Honneamise. Cioè, praticamente, il dio dei character designer. (Ri)scopritelo. #recensioniflash

ERASED (A1-Pictures, 2016)
Anime night again! Oggi vi voglio parlare di Erased – Boku dake ga inai machi, una serie su Netflix che ho trovato davvero sorprendente. Tratto da un manga di Kei Sanbe (che non ho letto, ma pare sia un po’ più articolato della trasposizione animata) e realizzato da A-1 Pictures (Sword Art Online, Seven Deadly Sins) con character design di Keiko Sasaki (non a caso una che si è fatta le ossa con Detective Conan), Erased è in pratica un thriller claustrofobico alla David Fincher con una spruzzata di fantascienza che complica le cose. Satoru Fujinuma è un trentenne mangaka fallito e disilluso che per stare a galla lavora come fattorino in una pizzeria. Ma ha la capacità di tornare indietro nel tempo di qualche minuto quando il suo “senso di ragno” gli fa presagire un incidente di qualche tipo. Fa amicizia con Airi, sua giovane collega in pizzeria e ha un rapporto conflittuale con la madre. Ma c’è un assassino in giro, e a quanto pare ce l’ha proprio con Satoru e con i suoi cari… A causa di un evento drammatico, Satoru improvvisamente torna indietro nel tempo di vent’anni, e si risveglia nel suo corpo di undicenne. Rifrequentando la scuola capisce che deve sventare una oscura trama di omicidi, pedofilia e violenze domestiche per poter cambiare il futuro e risolvere i guai della prima linea temporale. Quando tutto sembra aggiustarsi, succede un’altra cosa clamorosa e parte una terza linea temporale. Sembra complicato, ma è assolutamente appassionante. Tra l’altro parte come un giallo con ricerca dell’assassino, poi la cosa viene abbandonata a favore di una pervasiva suspence puramente hitchcockiana (nel senso che l’assassino, quando salta fuori, probabilmente avrete già capito chi è, ma non è quello il punto). Va beh. Comunque, tiene svegli, fa fare il tifo per tutti i personaggi e ha una versione live action sempre su Netflix che mi sta venendo voglia di vedere per “cogliere le differenze” (dicono sia più aderente al manga). Per la cronaca, dicono un sacco di volte “Itadakimasu”. #recensioniflash